Càmice grigio, come usava una volta, a coprire una personalità che grigia certo non è; attenzione maniacale agli articoli in vendita nella sua ordinatissima bottega; odio velato dalle buone maniere per il made in England (anche qui c’è una ragione) e per tutto ciò che è inesatto, approssimativo se non truffaldino (esilarante la scena in cui conta tutti i chiodi di una scatola), l’italo-argentino Roberto De Cesare è un perfetto misantropo dei nostri tempi. Un quieto ma irritabile concentrato di insofferenza, asocialità, blanda paranoia, che vive barricato dietro i suoi riti, i suoi orari, i suoi giornali di ogni parte del mondo che compulsa con diletto cercando notizie strambe e crudeli (ce n’è anche una che viene da Catanzaro). Tenendo a distanza perfino la candida Mari, sorriso ampio come la scollatura e sentimenti altrettanto accoglienti, ma non abbastanza per il corazzato Roberto.

Si può immaginare cosa succede quando in questa esistenza votata all’ordine – un ordine che implica la contemplazione del caos, attraverso i giornali – irrompe un giovane cinese smarrito. Che non parla spagnolo ma è in cerca di un fantomatico zio dopo essere stato al centro della tragicomica e irresistibile scena d’apertura, ambientata appunto al capo opposto del pianeta.

Avrete già capito che queste due solitudini, così distanti in tutti i sensi (geografico, anagrafico, gastronomico…) finiranno per integrarsi e illuminarsi a vicenda. In un susseguirsi di episodi più o meno comici che non escludono note sinistre. Dall’indirizzo tatuato su un braccio del povero Jun come se uscisse da un lager, al poliziotto cui Darin dà una meritata lezione (polizia rima ancora con dittatura, a Buenos Aires), ai mille ricordi che invadono la casa del ferramenta, tutto parla di una vita, forse di un paese bloccato in un passato opprimente. Che finisce per informare anche il gusto abilmente démodé di questo film attentissimo ai dettagli (non una faccia, una luce, un arredo stonato). Rodato in pubblicità e in tv, autore anche dello script, Borensztein ha il gusto, la misura e lo spessore necessari per costruire commedie internazionali ma non banali. Ne abbiamo bisogno.

Fare un film sulla polizia, o meglio sui celerini è impresa al quanto dura se non impossibile, soprattutto per il rischio di essere o troppo a favore dello Stato o con la visione diametralmente opposta. Eppure Stefano Sollima è riuscito, al primo colpo cinematografico, a trovare il giusto equilibrio tra le parti, non per mancanza di presa di posizione ma per un realismo territoriale del quale il regista ne è consapevole. La storia è incentrata su tre celerini, ormai veterani del servizio sono alle prese con difficili scelte e problemi nella vita privata.  Cobra (Piefrancesco Favino) è alle prese con un processo penale per aver ferito per l’ennesima volta un tifoso , Negro (Filippo Nigro) affronta una difficile separazione con la moglie e non ha una casa dove vivere; infine il cinico Mazinga (Marco Giallini), il più vecchio della squadra, si è stancato della vita e in famiglia ha perso il controllo totale del figlio. A loro tre si unisce una giovane recluta, Adriano (Domenico Diele),  ragazzo di borgata, che dovrà imparare anche contro voglia l’educazione alla legalità, il duro spirito della camerata, l’ordine e l’uso a volte violento della legge.

ACAB è un film difficile e riuscito. Duro, molto violento, intenso e drammatico, pone l’attenzione su un argomento delicato. Questa volta la narrazione avviene dall’interno, sono i singoli personaggi che raccontano un modo difficile da capire da fuori. Ogni ruolo è scritto psicologicamente molto bene: c’è l’invasato di matrice fascista (Favino) che ha nelle regole e nel patriottismo estremo un unico credo comportamentale, il padre di famiglia (Nigro) è disposto a tutto per vedere la figlia anche a costo di perdere il lavoro e andare contro le stesse leggi che lui rappresenta; Mazinga è il capo squadra ormai svuotato da ogni credo e di essere servo del potere ma non per questo viene meno alla divisa che rappresenta. Il giovane Adriano è in un certo senso la speranza futura nella quale riporre ogni fiducia perché, benché sia un lavoro sporco quello del celerino, per far fronte ad una società violenta, sempre pronta ad esplodere, bisogna sapersi adattare e difendere.

Non solo i personaggi ma anche la storia sono un punto di forza di ACAB: si parte dai fatti di vita quotidiana (la sicurezza allo stadio, lo sgombero di case occupate, le manifestazioni di piazza) per poi allargare il cerchio e fare mirati riferimenti a eventi eclatanti della storia recente dell’Italia (G8 di Genova, la morte di Gabriele Sandri, l’assassinio del commissario Raciti). Sollima racconta senza facili moralismo un mestiere difficile, rivolge le proprie accuse verso i poteri di palazzo, troppo spesso staccati dalla realtà e in grado di usare i celerini come “pedoni” di una scacchiera malata e violenta (la società): i primi ad essere utilizzati e gli ultimi ad essere ricordati. La regia è serrata ed efficace come avevamo avuto modo di apprezzare nella serie tv Romanzo Criminale, aiutato anche da una musica ammiccante che da un giusto ritmo al film. Ottimo anche il cast, su tutti svetta ancora una volta l’interpretazione di Pierfrancesco Favino. Non ci sono buoni o cattivi in ACAB, c’è solo un lavoro sporco ovvero quello del celerino. Da vedere (fonte: Pellicole Rovinate).

E  cosa dire senza sembrare ridicoli?

Spesso si tende a sovraimpressionare chi ci ascolta.

Una telecamera e noi soli,  a vantare cosa?

L’auto prentazione e’ un modo di presentare la propria persona, in modo semplice ed efficace.

Consiglio a tutti di rendere tutto più semplice, partendo magari da un presupposto, svilupparlo ed arrivare a farsi conoscere per quello che si e’ veramente (cmq e’ gia’ abbastanza)

fate domande e  vi sara’ data risposta…

Viviamo in un era in cui la realtà artistica si basa sulla convenienza e sulla mancata conoscenza dei fondamentali, delle materie prime, elementi questi primari per la determinazione dei talenti e per lo sviluppo delle attitudini e delle capacità personali.

In questa mia continua ricerca della qualità e di persone che la conoscano e la mantengano, ho incontrato i ragazzi di CastYourSelf TV, Federico e Marco, che condividono a pieno questa filosofia.

Siamo tutti stanchi del niente, dell’assenza di punti di riferimento, di speranze o possibilità tangibili. Proprio per questo nasce CastYourSelf TV, un progetto che sia di supporto ed aiuto sia alla gente che al sistema.

Insieme, proveremo a determinare la qualità, e quindi proporla con i più specifici riferimenti,
alle reali attitudini di ogni talento.

CastYourSelf TV, proporrà un mio blog dove cercherò di rispondere ai quesiti o alle domande, nel campo artistico.

CastYourSelf TV, proporrà iniziative di sviluppo in tutti campi dell’audiovisivo, del teatro, e dell’intrattenimento, con consulenza e suggerimenti.

Concorsi a preferenze, con votazioni popolari, che daranno visibilità e sviluppo,
e risparmio per ognuno.

Seguitici, e dopo se credete inscrivetevi CLICCANDO QUI

(a mio nome si risparmia)

Un saluto a tutti

Franco Alberto Cucchini

Buongiorno a tutti,

…..e se fosse arrivato il momento di migliorarsi?….
a mio parere la crisi si combatte tenendosi al passo con i tempi, cercando di curare la qualità e la professionalità e lasciando a chiunque lo desideri libertà di espressione e di giudizio.

Negli ultimi due decenni, il processo evolutivo dei mezzi di comunicazione ha consentito a buona parte delle persone di conoscere ed ampliare i propri orizzonti personali.
Purtroppo, come tutte le cose belle, anche un mezzo fantastico come Internet e’ stato utilizzato in maniera selvaggia, senza il supporto di tutors o di manuali d’uso, e in assenza di regole e di confini.

Da questi presupposti e dalla profonda convinzione che le qualita’ debbano prevalere, abbiamo deciso con CastYourself TV di aprire una collaborazione.

Franco Alberto Cucchini

Oggi ad esempio è il giorno della proiezione del primo film italiano in concorso nella sezione Venezia 68. Si tratta di Terraferma di Emanuele Crialese, protagonisti Filippo Pucillo, Donatella Finocchiaro, Giuseppe Fiorello, Claudio Santamaria. La pellicola racconta le vicende degli immigrati che sbarcano sulle coste italiane. In particolare quella di due donne, un’isolana e una straniera: l’una sconvolge la vita dell’altra. Eppure hanno uno stesso sogno, un futuro diverso per i loro figli, la loro terraferma.

Tra i fuori concorso c’è l’attesissimo Wilde Salome che vede alla regia Al Pacino. Il film proietta il pubblico nella vita personale di Al Pacino come mai era successo prima, offrendo un ritratto intimo e profondo della più grande icona del cinema alle prese con il ruolo più impegnativo mai interpretato: se stesso e il re Erode nel dramma tratto da Oscar Wilde. Nel cast Jessica Chastain, Kevin Anderson. Hanno partecipato al film Tom Stoppard, Gore Vidal, Bono, Tony Khusner e Merlin Holland, nipote di Oscar Wilde.
Fuori concorso  inoltre la pellicola di Nicholas Ray We can’t go home again, capolavoro sperimentale nella nuova versione restaurata. Nicholas Ray lo ha realizzato con gli studenti della State University of New York di Binghamton, un lavoro che incarna l’approccio di Ray alla regia come stile di vita comunitario. Il film documenta il ricorso del regista all’immagine multipla per raccontare più di una storia simultaneamente e alla colorizzazione per accentuare l’espressività emotiva.

Nel chiudere questo breve post cogliamo l’occasione per mandare un “In bocca al lupo” a tutti gli italiani in gara!

Padre estremamente duro e madre infinitamente amorevole. L’infanzia di Jack è polarizzata da due genitori che gli impartiscono precetti diversi fra loro. Negli anni cinquanta, in Texas, si cresce anche così. Una famiglia come tante, tre fratelli e la provincia, la natura. Finché il dolore non entra in scena, quando uno dei fratelli perde precocemente la vita. Ed entrano in scena pure le domande. Con esse inizia un percorso di consapevolezza che Jack termina ormai quando è divenuto adulto.
La grandezza di un film è quando senti un pugno allo stomaco. Non importa che la sensazione possa portare entusiasmo oppure riprovazione. Farti arrabbiare o illuminarti sul senso della vita. È l’effetto che conta: il fiato che manca, le immagini che ti rincorrono appena scorrono i titoli di coda. Sei minuti di applausi alla prima di Cannes riservata al pubblico, ululati e fischi conditi da non troppi battiti di mano per la proiezione riservata alla stampa. Non sappiamo se “L’albero della vita” di Malick sia un capolavoro. Sicuramente però, entrerà, a suo modo, nella storia della settima arte. Perché di arte si tratta, che piaccia o no.

 Sofferto, pensato, cesellato, montato e rimontato, nelle prime ottimistiche previsioni sarebbe dovuto uscire nelle sale americane, addirittura, nel 2009. E invece vede la luce sulla Croisette nel 2011. Niente è facile, tutto è sofferto con questo cineasta di settant’anni che in quaranta di attività ha prodotto solo cinque pellicole: La rabbia giovane (1973), I giorni del cielo (1978), La sottile linea rossa (1998), Il nuovo mondo (2005) ed in ultimo, il nostro di film. Quando si mette dietro una macchina da presa è pura tribolazione. Interiore. Il copione modificato giorno dopo giorno, le inquadrature che si soffermano sul creato, le battute che non devono essere per forza apprese a menadito dagli interpreti. Ecco perché c’è chi lo fischia e chi, come Brad Pitt, risponde alle critiche dicendo: “ma questa è poesia!”. Fatto di pochi dialoghi, ridotti all’essenziale, e di tante immagini, di qualità: e infatti, l’impatto visivo di The Tree of Life è notevole. Un coacervo di suggestioni e messaggi al limite del decifrabile come se il regista raccontasse una storia per se stesso e non per gli altri.

Un progetto al quale Nanni Moretti aveva iniziato a lavorare già da qualche anno, ma mai portato avanti, fino ad oggi, per motivi di costi: 8 milioni di euro di budget, buona parte dei quali spesi per le ambientazioni, poiché il Vaticano non ha concesso di girare scene nella propria sede, con parte degli interni girati nei saloni di Palazzo Farnese sede dell’Ambasciata di Francia. Inoltre molte scene di massa, costumi e arredi imponenti. Il risultato è una pellicola sorprendente, ‘una commedia dolente’ – come l’ha definita il regista – un’analisi antropologica sullo smarrimento. L’infallibile che si scopre fallibile, proprio nelle sontuose vesti di chi non si può permettere di esserlo. In Habemus Papam tutti sono prigionieri di un’ossessione – oltre che realmente rinchiusi dentro un luogo ben delimitato – il Papa dalla sua investitura, lo psicanalista Brezzi dalla sua professione.